Giselle

Ciento setenta y cinco años. Son pasados desde la primera presentación de la obra Giselle, una joya de poesía romántica creada para el debut parisino de la bailarina italiana Carlotta Grisi. Desde entonces, la obra de Giselle nunca ha dejado de transformarse. Para nosotros espectadores del siglo XXI, es importante tener presente un hecho: hoy, Giselle ya no es solo el emblema del ballet del siglo XIX romántico europeo, sino una danza que tiene sus raíces en la actualidad y goza del derecho de ciudadanía global. Encargando de la creación a los coreógrafos Itamar Serussi Sahar y Chris Haring | Liquid Loft, comprometidos respectivamente en el Acto I y II, el Balletto di Roma no se limita a presentar una nueva versión de Giselle capaz de explorar en otra forma y otra vez la locura amorosa de una mujer joven traicionada por su propio ideal (Acto I) y el éxito de muerte de su dolor ambientado en un mundo sobrenatural (Acto II).
La Giselle que el Balletto di Roma trae al escenario en 2016 no explora un personaje que contiene los opuestos que pueden resumirse en el contraste sagrado entre la vida y la muerte, sino la expresión de un sentimiento extenso y múltiple que pertenece a la comunidad de cuerpos en el escenario. Su identidad ya no está encarnada en un papel, sino se actúa como una lente a través de la cual todos observan el mundo alrededor.
Así han trabajado los bailarines de la compañía, incorporando Giselle en las improvisaciones, no como una descomposición de su personaje en partes más pequeñas e individuales, sino como una deconstrucción de la narrativa del libreto de Théophile Gautier y sus declinaciones que tratan con cuerpos y las sensibilidad de la actualidad.
La profunda reelaboración de la música de Adolphe Adam, por parte de Richard Van Kruysdijk y Andreas Berger, apoya los dos actos al colocando la danza en una dimensión que permite a cada espectador crear su propia historia gracias a las evocaciones rítmicas y las de movimiento.
Concebido por el artista israelí Itamar Serussi Sahar, el primer acto nos muestra una coreografía dedicada al poder físico y carnal que surge de cuerpos desnudos de ese hábito pantomímico que tradicionalmente caracteriza el primer acto de Giselle. , sin embargo, los bailarines se ofrecen a los espectadores con una generosidad compositiva que les permite ver el sujeto del espectáculo más a fondo, alcanzando la intención original de sus movimientos. Del arquetipo del siglo XIX encontramos la dimensión terrestre, que aquí se expresa a través de una humanidad que se deja alterar por lo real, movida y, a veces, sacudida por impulsos vitales que exploran el espacio de la escena expresando un sentido de pertenencia tanto a la vida como a la muerte.
Si bien la vitalidad del primer acto tiende a diversificarse entre los bailarines, el segundo, firmado por el coreógrafo austriaco Chris Haring recupera una dimensión más coral.
Giselle nos recuerda que, entre los humanos, nada es más compartido y común que la muerte. La hipótesis de que la venganza es capaz de aliviar el dolor de la pérdida representa, entonces, el último destello del ser humano, la última quimera que la vida le concede a Giselle, antes de que los cuerpos se enfrenten definitivamente, en una reunión dominada por una visual inmaterial que se está agotando. Como un fénix ahora incinerado que nos devuelve a todos, a los artistas y al público, a la vida.

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